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viernes, 31 de julio de 2015

"El gabinete del doctor Caligari", una joya del cine expresionista y de vanguardia


Película alemana muda de 1920, del director Robert Wiene, con guión de Hans Janowitz y Carl Mayer. 
Vista en junio de 2015 en el cine de verano del Museo Jorge Rando de Málaga, presentada por Paco Casado y Cándido Pérez, con la interpretación pictórica de José María Llobell y acompañamiento  al piano de Paco García.
Los guionistas plantearon la película dentro del género de terror: el doctor Caligari induce a cometer asesinatos al sonámbulo Cesare, al que lleva por las ferias y al que manipula a través del hipnotismo. A esta historia se le añadió un prólogo y un epílogo, ideado por Fritz Lang (autor de "Metrópolis" ),  que iba a ser en principio el director de la película -lo que finalmente no pudo ser por otros compromisos de este- y que enmarca toda la historia en una alucinación de Francis, un paciente de un psiquiátrico del que Caligari es el director médico, aunque todo ello con la suficiente dosis de ambigüedad como para hacer dudar al espectador.
La película es considerada como la primera obra del cine expresionista, dentro del marco de las vanguardias europeas, joya del género, y que tiene muchos puntos de interés, tanto de contenido como formales.
En cuanto a los temas que se plantean en la obra:
- la maldad, el asesinato.
- el mundo de la psiquiatría y la hipnosis.
- el fenómeno de la locura: fantasías y alucinaciones.
- una historia dentro de otra, en este caso con un giro inesperado (es la primera película que introduce lo que algunos llaman una "vuelta de tuerca").
Formalmente llaman la atención:
- la estética vanguardista, no sólo expresionista, sino también cubista, etc. como se puede ver en los decorados y en los carteles explicativos que aparecen entre escena y escena.
- el fundido en negro progresivo, que va seleccionando determinadas partes de la acción.
- influencia del teatro, tanto en la estructura de la película como en los decorados teatrales de cartón pintado, que distorsionan y deforman la realidad.
- el juego de luces y sombras que crean un mundo inquietante...
En definitiva, un clásico que no hay que perderse, imprescindible para los amantes del cine.
 








martes, 28 de julio de 2015

"Mulholland drive", de David Lynch. La vida es sueño...


Película norteamericana de 2001, del director David Lynch. Vista cuando se estrenó, y por segunda vez en febrero de 2015.
Recibió varios premios en 2001: el premio César a la mejor película extranjera, premio BAFTA al mejor montaje, premios al mejor director en Cannes y Toronto, entre otros.
Betty (Naomi Watts), una joven aspirante a actriz, llega al apartamento de su tía (Ann Miller) en Los Ángeles, dispuesta a conseguir trabajo en el mundo del cine, pero se cruzará con Rita (Laura Harring ), amnésica después de un accidente de coche en Mullholland Drive, y que lleva en el bolso una llave azul, dinero en efectivo y el recuerdo de un nombre, Diane Selwyn. A partir de aquí empiezan a investigar la identidad de ella, a la vez que Betty hace una prueba para una película (excelente Watts) dirigida por Adam Kesher (Justin Theroux), que depende de la maquinaria de Hollywood y del dinero de los productores.
La película tiene 2 partes que vienen dadas por el paso del sueño a la realidad, o de la apariencia al ser -o viceversa- en las que los personajes hacen doblete no sólo con sus nombres, sino con la función que cada uno desempeña en la historia.
Considerada por algunos como una "película de culto", para otros, un rompecabezas sin sentido, a mí me parece una obra sugerente, llena de matices y connotaciones, ambigua -por supuesto-, en la que se combinan y entremezclan dos planos: el mundo real y el de los sueños de tal modo que es difícil saber en cuál nos encontramos, aunque eso no tiene importancia porque será la recepción de cada espectador la que compondrá el puzzle que Lynch nos propone. Si a eso añadimos el cine dentro del cine -un sueño dentro de otro-, tema que tanto interesa al director, tenemos todos los componentes de una obra que nos atrapa, visualmente atractiva (fotografía de Peter Deming ) y con música de Angelo Badalamenti. Excelente interpretación de una primeriza Naomi Watts, y del resto de los actores.
Película totalmente recomendable, quizás la mejor de este director y la que mejor refleja su mundo, onírico y de obsesiones, con  componentes de metacine, surrealismo, y cine negro, y sin caer en los excesos de la ininteligible "Inland Empire".



jueves, 23 de julio de 2015

"L'écriture ou la vie" (La escritura o la vida), de Jorge Semprún

"Busco la región esencial del alma donde el Mal absoluto se opone a la fraternidad".
(André Malraux, citado al comienzo del libro)
"Nadie puede escribir si no tiene el corazón puro, es decir, si no está suficientemente desapegado".
(C.E.Magny, pág. 314)

Jorge Semprún (Madrid 1923- París 2011), nieto de Antonio Maura, intelectual, miembro del PCE (1942-1964), Ministro de Cultura con el PSOE (1988-1991), guionista ("Z","La confesión", "La guerre est finie"...) y escritor en francés ("Le grand voyage", "La montaigne blanche"...) y en español ("Autobiografía de Federico Sánchez"...). 
L'écriture ou la vie", publicada en 1994 en francés, recoge un hecho importante de su vida, que lo marcará para siempre: la deportación al campo de concentración de Buchenwald. A pesar de que habían pasado más de 40 años, es en 1987 cuando decide escribir el libro, al enterarse de la muerte de Primo Levi.
La obra gira en torno a 2 grandes temas:
- La memoria, el recuerdo de lo que hemos sido y
- La función de la escritura: la escritura como recuerdo de la muerte.
Ya en el título, Semprún, a diferencia de otros escritores, opone la escritura a la vida; escribir es, en este caso, una forma de volver al horror y a la muerte, y lo hace muchos años después, hablando en primera persona, pero después de un ejercicio de ascesis, como le sugería Claude-Edmonde Magny.
La obra, compuesta de 10 capítulos estructurados en 3 partes, habla del antes y después de Buchenwald, y por supuesto, del momento de su liberación, pero París  y Madrid son también escenarios importantes. De forma desordenada en el tiempo, avanzando y retrocediendo, y con un lenguaje cuidado y bello, Semprún nos habla del horror ("He pensado que mi recuerdo más personal, el menos compartido, el que me hace ser lo que soy...es el recuerdo vivo, nauseabundo, del olor del horno crematorio: insulso, repugnante, el olor a carne quemada sobre la colina del Ettersberg" pág. 312), pero también de la vida y del papel de las mujeres en su vida. Son continuas las referencias filosóficas (Kant, Wittgenstein, Heidegger...) y literarias (R. Char, A. Malraux, Breton, Celan, Aragon, o César Vallejo, al que tanto admiraba y del que recuerda el poema "Masa":"...¡No mueras, te amo tanto! Pero el cadáver ¡ay! siguió muriendo").
Obra muy interesante tanto como testimonio personal y colectivo, como por la reflexión sobre la escritura y la necesidad del desapego, de ser forastero, para poder mirar al interior. Leída en español en junio de 2015, con motivo de una tertulia literaria.



lunes, 20 de julio de 2015

"Exit through the gift shop" de Banksy. Desmontando mitos sobre el arte urbano



Película de 2010, la primera del artista urbano Banksy (británico, uno de los más destacados en el arte callejero, que nunca muestra su cara, conocido por sus imágenes de ratas, policías... y controvertido como artista alternativo/comercial ). Vista en el CAC de Málaga, en mayo de 2015, días antes de las exposiciones individuales de Shepard Fairey (Obey) y D*Face.
La película es un documental - para algunos un falso documental- muy valorado por la crítica, y que tiene como protagonista a Thierry Guetta, de origen francés, afincado en Los Ángeles, y obsesionado con grabar en vídeo todo lo que tiene a su alrededor, familia, etc, y que termina dedicándose a grabar el arte callejero: grafitti, instalaciones...tanto mientras se está ejecutando como con la obra terminada. A través del contacto en Francia con un primo suyo que se dedica al arte callejero: "Invader", empieza a acompañarlo por las noches y a grabar todo lo que hace. Luego conocerá a Obey, del que tenemos ahora una extensa muestra en el CAC, y llegará a conocer a Banksy, al que se ofrecerá a acompañar para localizaciones en Los Ángeles y al que también graba realizando sus obras, pero sin desvelar su identidad. La primera exposición de Banksy en E. Unidos, en un almacén en Los Ángeles,  fue todo un éxito y el arte callejero empezó a comercializarse...
Por otra parte, Guetta fue incapaz de montar una película coherente, en parte por el exceso de material, y también por su nula experiencia, y fue el propio Banksy finalmente el que tomó las riendas del proyecto, pasando a ser Guetta el "objeto de estudio".
Animado por Banksy (se arrepintió luego de haberle dado alas), Guetta decide convertirse él mismo en "artista" (Mr.   Brainwash) y monta una exposición -Life is beautiful- en la que rodeado de un gran equipo de gente, y manipulando obras de otros artistas, consigue tener éxito y vender...
La película tiene varios puntos de interés:
  • La existencia de un arte callejero de calidad, frente a lo que son sólo agresiones absurdas al mobiliario urbano.
  • Cómo el arte urbano, contestatario y rebelde en sus orígenes, termina siendo devorado por lo comercial, y
  • La existencia de sucedáneos, imitadores... que pretenden sacar provecho con la excusa de que todo vale en el arte de la calle... 



jueves, 16 de julio de 2015

"Late Autumn"(Man chu), de Kim Tae-yong. La belleza de la fragilidad


Película coreana de 2010, de Kim Tae-yong. Vista en junio de 2015 en el CAC de Málaga, dentro del ciclo de cine coreano.
Anna (Tang Wei), una joven china, prisionera en una cárcel norteamericana por haber matado a su marido, recibe un permiso de 3 días para asistir al funeral de su madre en Seattle. En el autobús conocerá a un joven de origen coreano(Hyung Bin), que se gana la vida como gigolo, amenazado por el marido de una clienta , y con el que se reencontrará casualmente en la ciudad. A pesar de las situaciones difíciles y diferentes en las que se encuentran, el amor surgirá entre ellos...
Otros temas que aparecen: las relaciones familiares, los celos y el afán de posesión, la soledad... 
A destacar también el protagonismo de la ciudad: una Seattle lluviosa y con bruma, acorde con la melancolía de la historia que, junto con la mirada profunda de Tang Wei, y la seductora sonrisa de Hyung Bin, hicieron que la película me emocionara.



domingo, 12 de julio de 2015

México con dolor. Chavela Vargas, Paquita la del Barrio, Lila Downs y Natalia Lafourcade

Desde España, cuando pensamos en México la mayoría lo hacemos con gratitud y con admiración: gratitud por su solidaridad, por su recepción de los españoles -artistas, intelectuales...- que tuvieron que salir de España huyendo de la dictadura franquista, y a la vez con admiración por su gente, su cultura, sus raíces tan potentes, y también por su música... Es verdad que cuando oímos y leemos noticias como la desaparición de los estudiantes, la vejación a los aspirantes a plazas de maestros, o la muerte de periodistas y de tanta gente inocente, no entendemos nada y el sentimiento es de dolor profundo y solidario desde el otro lado del océano.
En este caso, es la música la protagonista, en boca de 4 mujeres cantantes a las que admiro, de generaciones distintas, con algo en común, pero únicas cada una en su estilo y que hablan de amor, de dolor, de pérdida... Por supuesto que la lista puede ser más amplia, pero esta es mi selección: Chavela Vargas, Paquita la del Barrio, Lila Downs y Natalia Lafourcade. Cuatro grandes mujeres que me emocionan...

Chavela Vargas (Isabel Vargas, Costa Rica 1919- México 2012), nacionalizada en México, se la ha considerado como una de las máximas representantes de la música ranchera, a la que ella dio su estilo tan personal, más íntimo y desgarrado.
Amiga de José Alfredo Jiménez, Diego Rivera y Frida Kahlo, Nicolás Guillén, Carlos Fuentes, Picasso, García Márquez, Lila Downs... y de los españoles Joaquín Sabina, Pedro Almodóvar... con los que colaboró en ocasiones.
A pesar de vivir en una sociedad machista se atrevió a confesar su homosexualidad, ya mayor, en una entrevista en México.
Estuvo en España en muchas ocasiones y, aunque  no tuve la oportunidad de verla en directo con ningún concierto de ella, siempre la admiré y tengo algunos discos de la artista. Canciones como "La llorona", "Macorina", "Piensa en mí", "Volver"... entre muchas otras, forman parte de la educación sentimental de muchos de nosotros.  
"Y así termina una historia que comenzó de la nada. Dame la mano, llorona, que vengo muy lastimada. Señora, dame la mano, que vengo muy mucho cansada."
 (Chavela Vargas en su último recital en México)

Paquita la del Barrio (Francisca Viveros   México 1947), la "Reina del Pueblo" o  "La Guerrillera del Bolero" como la llaman sus seguidores, es muy popular en México por sus rancheras y boleros, por sus letras 'políticamente incorrectas', como reacción al machismo imperante en la sociedad mexicana.
Me enteré de su existencia hace ya más de 10 años en un programa de Radio Nacional de España, busqué su música y se la descubrí a un viejo amigo, ya muerto, con el que disfruté de sus canciones con letras tan poco convencionales como : "¿Me estás oyendo, inútil?", "Piérdeme el respeto", "Tres veces te engañé", "Rata de dos patas"...


Lila Downs (Oaxaca, México 1968), hija de padre estadounidense y de madre indígena  mixteca. Canta en español, inglés y también en mixteco y otros idiomas indígenas. Es una mujer polifacética: compositora, actriz, antropóloga, que cuida mucho la puesta en escena, con elementos del folklore indígena de su país. 
La conocí hace años y luego tuve la suerte de verla en España en un concierto en directo en Málaga, donde vuelve para actuar el 30 de julio de 2015 en el Teatro Cervantes, con motivo de los conciertos de verano Terral 2015.
Tengo algunos de sus discos como "One blood", " La cantina"... donde se aprecia su desgarro y su fuerza vocal que, de algún modo nos recuerda a Chavela Vargas, pero con un estilo muy personal.




Natalia Lafourcade (Veracruz, México 1984) es la más joven de las 4, compositora, actriz, diseñadora, además de cantante. De familia de músicos, toca varios instrumentos, ha grabado discos en solitario y en colaboración con bandas como People Project, en  Canadá, o con cantantes como Julieta Venegas.
Entre sus discos:  "Las 4 estaciones del amor"(instrumental), "Hu hu hu",y  "Mujer Divina. Homenaje a Agustín Lara", en el que han colaborado cantantes como Jorge Drexler o Miguel Bosé.
La descubrí gracias a Leonor Watling. Todo un placer...

viernes, 10 de julio de 2015

El Testamento de María, de Colm Toíbin. Versión teatral de Villaronga, interpretada por Blanca Portillo


Basada en el libro del escritor irlandés Colm Tóibín, autor también de "El maestro" y de "Brooklyn", hemos tenido la oportunidad de ver en Málaga, en junio de 2015 en el teatro Cervantes, la obra "El Testamento de María", adaptada y dirigida por Agustí Villaronga e interpretada por Blanca Portillo.
Refleja, en forma de monólogo, el dolor de una madre que no pudo auxiliar a su hijo, al que dejó de entender cuando decidió morir por los demás, pero al que no dejó de amar. María vive recluida y custodiada por los evangelistas en Éfeso y ya en la vejez rememora con emoción y con desgarro momentos pasados de su vida, con una visión pagana que le hace aferrarse a una estatuilla de Artemisa.
La obra se estrenó en el verano de 2014, por lo que lleva ya un año de andadura y fue el debut teatral de Agustí Villaronga que hace una excelente selección de los textos, con escenografía de Frederic Amat que sugiere muy bien  los distintos espacios y situaciones de la obra: el pozo, la mesa, la "habitación-retablo de la memoria" (como dice Villaronga), y con una magistral interpretación de 2 horas de Blanca Portillo, que a todos nos conmovió. Pocas actrices son capaces de hacerlo...


                                         

domingo, 5 de julio de 2015

Louise Bourgeois en el Museo Picasso de Málaga. He estado en el infierno y he vuelto


"He estado en el infierno y he vuelto. Y déjame decirte, fue maravilloso"
L.Bourgeois

Louise Bourgeois (París 1911-New York 2010), de familia burguesa, empezó a estudiar Matemáticas en la Sorbona, pero las dejó por el arte y tuvo a Fernand Léger como profesor quien reconoció su trabajo como escultora, más que como pintora. Se casó con un americano historiador de arte y se trasladó a New York donde vivió hasta su muerte.
Empezó a ser reconocida a partir de 1982, por una retrospectiva que le hizo el MOMA de New York. Louise Bourgeois hizo esculturas, instalaciones, dibujos... en los que utilizó diversidad de materiales y en los que se repiten algunos temas que la obsesionaban: el sexo, los traumas familiares, la condición de la mujer, la soledad, entre otros... Es conocida por sus grandes arañas, la mayor de 9 m. ("Maman"), y que ella hizo en homenaje a su madre, guardiana protectora. Actualmente se puede ver "Araña"  (1996), expuesta en el patio del Museo Picasso. 
La exposición que se presenta ahora en Málaga: "Louise Bourgeois. He estado en el infierno y he vuelto." consta de 101 obras que recorren casi toda la obra de la artista, de las que 30 se muestran ahora por primera vez.
Está comisariada por Iris Müller-Westermann -a quien tuvimos ocasión de ver durante el Seminario sobre la artista- y organizada en colaboración con el Moderna Museet de Estocolmo. Las obras están ordenadas en torno a 9 núcleos temáticos:
1. La fugitiva    2. Soledad    3. Trauma   4. Fragilidad   5. Estudios del natural  6.Movimiento eterno  7. Relaciones  8. Tomar y Dar, y 9. Equilibrio.
He visto la exposición en junio de 2015, y reconozco que algunas de sus instalaciones y esculturas me e-/con-mocionaron y me provocaron esa inquietud que produce el buen arte.  Imprescindible este verano. Hasta el 27 de septiembre de 2015, en el Museo Picasso de Málaga.
"Juntos"  
"Arch of Hysteria"  1993
"Mujer-Casa"  1947
"The Couple"  2003
"I have been to Hell and back" 1996

 
"Spider" 1996 , en el Patio del Palacio de Buenavista/Museo Picasso


jueves, 2 de julio de 2015

Shepard Fairey (Obey) y D*Face en el CAC de Málaga. Arte urbano en el Museo



Primeras exposiciones individuales en España de estos dos artistas urbanos, reconocidos internacionalmente, que traen el arte de la calle al Museo, y que hemos conocido antes con otras intervenciones en el Soho de Málaga, de las que destacamos los dos grandes murales que están en la espalda del CAC. 
Para no perdérselas. Se podrán visitar hasta el 27 de septiembre.
Shepard Fairey (E. Unidos 1970) es un artista polifacético y diseñador, que abarca diversos aspectos de nuestra cultura audiovisual: carteles, ropa, portadas de discos, intervenciones en las calles,etc, conocido por su campaña "Obey" ('obedece'), en la que defiende en realidad la libertad de criterio y de expresión, y también por la campaña de 2008 de Barack Obama: Hope.
Sus referencias estilísticas y conceptuales van de los carteles soviéticos al arte callejero, pasando por Andy Warhol, carteles de rock,etc, utilizando la ironía y el humor para hablar de manipulación, política, temas medioambientales, música,etc.
La muestra "Your eyes here" recoge un conjunto de 300 obras, y hace un recorrido por los 25 años de la trayectoria artística de Fairey.





D*Face (Dean Stockton), es uno de los artistas más destacados del arte urbano británico actual.  Diseñador, ilustrador,empezó en los 90 en las calles de Londres con carteles y pegatinas a mano.
En sus obras se aprecia la presencia del "pop-art", del cómic, los dibujos animados, grafitti, hip hop, en un discurso crítico con la fama y el consumismo y con temas recurrentes como la muerte, la pérdida o el amor, y con la presencia de iconos culturales y de "celebrities" como la Reina Isabel II, Marylin Monroe, Che Guevara..
Uno de sus creaciones más conocidas es D*Dog, personaje circular que nos saca la lengua. Él define su obra como "aPOPcalíptica" y nos invita a reflexionar sobre lo que nos rodea y sobre la fascinación por la celebridad o el consumismo.
"Wasted Youth" ( Juventud desperdiciada) es su primera exposición individual en un museo y reúne 39 obras, algunas creadas para la ocasión y con un recorrido por toda su trayectoria.









También podemos ver actualmente en el CAC una instalación en vídeo del artista francés JR, creada especialmente para el espacio central: "Uprising, An Inside Out project", en la que han participado cientos de malagueños, recreando la impresión de multitud, aunque han sido grabados individualmente. Interesante... 
Hasta el 13 de septiembre.



Y en la segunda fase del MAUS -Arte urbano en el Soho de Málaga- siguen las actuaciones; en este caso el artista valenciano Felipe Pantone da color al Puente del Perchel, junto al CAC.